24 HOUR PARTY PEOPLE

24 HOUR PARTY PEOPLE (Michael Winterbottom, 2002) es una película muy interesante formalmente. Steve Coogan interpreta a Tony Wilson, figura televisiva y promotor musical responsable de las salas The Factory y The Haçienda (sic), y del sello de igual nombre que la primera, ejerciendo de personaje central y narrador meta-consciente de un relato que, aunque expuesto en imágenes de gran verisimilitud, juega con la mezcla de hechos reales, suposiciones y bulos demasiado atractivos para no ser dados por buenos ("print the legend") para recrear, no una historia detallada y fiel a la realidad, sino el espíritu de unos personajes - músicos, productores, técnicos y seguidores-, que tuvieron protagonismo en el tránsito entre el post-punk y la década de los 80, dando vida a la escena sonora y de hedonismo contracultural del sonido Madchester. La película, razonablemente hagiográfica, incluyendo su sentido recuerdo a Ian Curtis (Joy Division) y su retrato carismático del también fallecido Wilson y su peculiar ética ejecutiva, que le llevaba a redactar con su propia sangre contratos que daban toda la libertad creativa y los derechos autorales a las bandas con las que firmaba, es divertida y fluida, pero, por supuesto, su disfrute dependerá del grado de afinidad del espectador hacia el tema tratado.

EL LIBRO NEGRO / ZWARTBOEK

El Libro Negro (Paul Verhoeven, 2006): ¡Tremendo peliculón! Arranca como un típico drama sobre judíos huyendo del terror nazi  pero pronto la protagonista (maravillosa Carice Van Houten) demuestra una capacidad de resiliencia y una voluntad de no dejarse victimizar que la emparenta con la Isabelle Huppert de Elle (2016) y la Virginie Efira de Benedetta (2021). A pesar de todas las penurias que el relato le reserva, solo la vemos llorar, brevemente, casi al final, y es más por pena ante el fatal destino de tantos seres queridos que por autocompasión. El ritmo es vibrante, casi frenético, y el tono es juguetón, descarado, impúdico (hay una escena de la Van Houten tiñéndose el pubis que pareciera una referencia al famoso cruce de piernas de Sharon Stone en Instinto Básico y a las quejas de esta a posteriori), con algún apunte directamente escatológico. Casi una nazisplotation, pero con la potencia visual y narrativa de Verhoeven. Y tres años antes que Malditos Bastardos de Tarantino.

AVRIL Y EL MUNDO ALTERADO

 AVRIL Y EL MUNDO ALTERADO (Christian Desmares y Franck Ekinci, 2015), es un filme francés de dibujos animados que basa sus personajes y escenarios en diseños de Jacques Tardi. Con participación en el guion de un ocasional colaborador del creador de Adele Blanc-Sec, Benjamin Legrand -guionista de El Exterminador de Cucarachas-, se trata de un relato que aúna distopía y steampunk para presentar un mundo alternativo en el que la desaparición inexplicada de sus científicos más destacados ha dejado atascada a la humanidad en la era del carbón, con consecuencias ambientales catastróficas. Sorprende un poco ver el grafismo de Tardi en una clave tan abiertamente ci-fi y fantástica, pero su estilo está bastante bien trasladado y los personajes son plenamente tardinianos. Aunque el guion se enmarañe un poco en idas y venidas, es una película estéticamente agradable, con protagonistas simpáticos e ideas interesantes.

CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD / CAPTAIN AMERICA: BRAVE NEW WORLD

 CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD (Julius Onah, 2025) es básicamente la peli Marvel de Harrison Ford. Parece orquestada en torno a la figura de Ford y a su estatus de estrella al estilo clásico hollywoodense y Ford corresponde aportando su carisma como tal, a un personaje mediocre (heredado de dos intérpretes previos). Ford y su hulkización son el principal gancho de un film que en su guión logra incluir algunas bien hilvanadas referencias a Los Eternos y a la serie Falcon and the Winter Soldier, además de presentar en el MCU oficial al adamantium (abriendo la puerta a ya saben quién); pero que en la parte que debiera destacar, la de las escenas de acción y fantasía, resulta tan deslucida como viene siendo habitual en la casa, quedandose a la altura de un séptimo episodio apócrifo de la mentada serie de Disney+.

EL ETERNAUTA

 Me sumo con alegría a los parabienes para con la versión de EL ETERNAUTA de Netflix. Gracias a un guion excelente y una realización cuidada y precisa, la serie televisiva (bueno, multipantalla; en fin, lo que sea) dirigida por Bruno Stagnaro y con Ricardo Darín en el papel titular, funciona con un brío que no decae del primer al último minuto. Todos los añadidos y variaciones respecto de la obra original son coherentes con esta, útiles y hasta necesarios (por ejemplo, el dotar de mayor protagonismo a las mujeres; a pesar de ser pionero en introducir una mirada madura en la historieta, Oesterheld no pudo romper con algunas de las reglas no escritas del tebeo juvenil). Todas las angustias, los conflictos morales, los cantos a  la amistad y a la solidaridad, las dificultades para que estas prevalezcan, y las alegrías ante las batallas ganadas del Eternauta de Oesterheld y Solano están en este. También las imágenes icónicas: el chalet aislado como una isla en un mar de muerte, las anchas avenidas pobladas tan solo por cadáveres y cubiertas por la irreal nevada, los cascarudos devorando a sus muertos, los primeros planos de los ojos asombrados de Juan Salvo tras su máscara; y otras nuevas: la gran muralla de coches amontonados, el vagón de tren atestado de supervivientes horrorizados, la torre de la iglesia en llamas anunciando el final de los que allí quedaron... Y esa imagen final, tras la cual hubiera sido criminal que no tuviéramos una continuación (parece que está confirmada la segunda temporada). Sólo echo de menos el prólogo con el alter ego de Osterheld. Hubiera sido un bello homenaje y es, al fin y al cabo, una parte importante del relato. 

DAREDEVIL: BORN AGAIN (serie audiovisual)

   

 DAREDEVIL: BORN AGAIN (2025, Marvel/Disney`+), tenía todas las papeletas para no gustarme nada. Ya no fui capaz de completar el visionado de la primera serie del personaje (2015-2018, Marvel/Netflix), plantándome en la segunda temporada, aburrido por la ausencia de músculo narrativo y su tratamiento low-fi de lo superheroico. Born Again no hace sino abundar en este enfoque: el protagonista renuncia a su alter ego enfundado en rojo tras el primer episodio, lo cual, junto a la desaparición de dos personajes destacados de la primera serie, la llegada de una Heather Glenn muy diferente a la de los tebeos, y el nombramiento de Kingpin como alcalde de Nueva York, plantean un nuevo paradigma, que la serie logra desarrollar un poco a trancas y barrancas, entre aciertos como el protagonismo de la ciudad, y de sus habitantes, a modo de coro griego; e ideas chuscas, como la terapia matrimonial de Fisk y Vanessa; pero, también, con ecos de las temporadas tebeísticas de los guionistas Bendis y Brubaker y de sus principales colaboradores gráficos, Maleev y Lark. Y, a destacar, el ingenioso episodio quinto, en el que Murdoch desarticula un atraco con rehenes sin desvelar su identidad secreta (con co-protagonismo del papá de Kamala Kahn).

ALIEN: ROMULUS

Podrán gustar más o menos, pero no se puede negar que lo que sí tenían todas las entregas, hasta ahora, de la saga Alien, incluidas las dos últimas revisitaciones scottianas, es personalidad y voluntad de renovación. Justo de lo que carece Alien: Romulus, la última aportación a la franquicia, estrenada hace unos meses. El producto elaborado por Fede Álvarez sustituye la creatividad por puro cálculo cínico, para ofrecer un remedo estético y temático de la cinta original, protagonizada por un grupo de no-personajes, juveniles como viene siendo tendencia en recientes recuperaciones de franquicias (Ghostbusters, Predator), sometidos a un argumento de videojuego, con niveles a superar hasta el enfrentamiento con el final boss, y aderezando el camino con un muy contemporáneo gusto por el jump scare, principalmente basado en el empleo del sonido. Enfangado en sus malabarismos con el fan service, que tiene su cenit de inmoralidad en el cameo digital de Ash, y la apelación a las nuevas generaciones, Álvarez no muestra intención de significarse en forma alguna, dando lugar a un artefacto feo y carente de vida.

LA NOCHE DE LOS GIGANTES / THE STALKING MOON

LA NOCHE DE LOS GIGANTES (Robert Mulligan, 1968) es un brillante ejemplo de los westerns maduros de los 60 y 70 de la centuria pasada. Un incontestable Gregory Peck hace de un scout del ejército, cuyos idílicos planes de retiro se ven alterados cuando, en su último día de servicio, se mete en un lío tremendo al poner bajo su protección a Eva Marie Saint, una mujer blanca liberada de los apaches, y a su hijo mestizo, que resulta serlo también de Salvaje, un indio rebelde y sanguinario, obcecado en recuperarlo. La narración, a partir de un excelente guión de Alvin Sargent, es adusta y tensa, reflejando la hostilidad de los escenarios naturales en los que está rodada, e invita a la reflexión antimaniquea, al aludir en alguna escena al derecho del niño a elegir con quién, y cómo, quiere vivir.

THE SUBSTANCE / LA SUSTANCIA

LA SUBSTANCIA (Coralie Fargeat, 2024), me ha parecido una castaña de cuidado. El guión es una sucesión de arbitrariedades sin rigor ni plausibilidad  algunos; la puesta en escena es previsible, transmite un continuo deja vu, y carece de fuerza expresiva; el tono es bufo y torpemente epatante (esos planos cerrados de Dennis Quaid);los personajes son burdamente caricaturescos; el mensaje de presunta denuncia antiedadista es ambiguo y contradictorio con algunas de las propias imágenes de la película... No entiendo que haya quien la califique de divertida, cuando yo sólo logré llegar a su final por la curiosidad de ver qué otra decisión erronea podía tomar la película a continuación. Insustancial.

PENELOPE

 PENÉLOPE (Arthur Hill, 1966) es un vehículo al servicio de Natalie Wood, en el que ella está estupenda, pero la película, sin embargo, no acaba de funcionar. El guion (basado en una novela firmada con heterónimo por Howard "Espartaco" Fast) apunta a la comedia romántica con destellos de screwball, pero falla en lo fundamental: hacer reir, y como mucho se ve con una leve sonrisa, principalmente por la entrega de una Natalie Wood que, sin embargo, no logra evitar que su personaje de esposa aburrida que decide llamar la atención de su marido, atracando el banco que éste dirige, resulte forzadamente encantador y cabezahueca. Aciertos como la fotografía de los escenarios neoyorquinos y la banda sonora, con su pegadiza canción de créditos, obra de Johnny Williams (sí, ese Johnny Williams)  no impidieron que la película fuese un fracaso y la Wood, que atravesaba por un momento emocional complicado, se pasó los siguientes tres años sin querer trabajar.    

EL CÓDIGO PENAL / THE CRIMINAL CODE

 EL CÓDIGO PENAL (Howard Hawks, 1930), pierde con su título en castellano el juego de palabras del original (The Criminal Code) que alude tanto a la letra de la ley, como a la norma tácita imperante entre los reclusos de una prisión: la ley del silencio, impuesta por la amenaza del castigo mortal. La película de Hawks es, junto a La Escuadrilla del Amanecer del mismo año, su estreno en el sonoro, y como esta, contiene elementos de eficaz realismo junto a otros de melodrama afectado. Narra la entrada en prisión de un joven, el malogrado Philip Holmes, tras cometer un homicidio involuntario durante una pelea. El mismo fiscal que le condenó a diez años, se interesa, tras ser nombrado alcaide, por su reinserción, a raíz del enamoramiento entre su hija y el muchacho. Un intento de fuga fallido y el posterior linchamiento del chivato que lo frustra dificultan la obtención de un perdón judicial para el joven, dada su obstinación en no romper la omertá. Boris Karloff está estupendo como el temible recluso con una "cita" pendiente con el policía que le denunció, ahora guardia de la prisión, pero la verdadera estrella de la función es Walter Huston como el duro fiscal, defensor del ojo por ojo, que deviene en comprensivo gracias al amor de su hija: la escena en la que, tras una sonora protesta de los reclusos, atraviesa el patio de la cárcel atestado de convictos enviados allí por él, con manos en los bolsillos, puro en la boca y gesto desafiante, es de las que hacen afición.

LA MUJER Y EL MONSTRUO / CREATURE FROM THE BLACK LAGOON

Me llama la atención. revisando LA MUJER Y EL MONSTRUO (1954, Jack Arnold), lo bien que se mueve el monstruo bajo el agua: bucea con una agilidad sorprendente para un individuo revestido de arriba a abajo con un traje de goma y un casco que le cubre la cabeza. De hecho, resulta más grácil sumergido que en tierra firme (son disfraces y actores distintos). La película es un clásico indiscutible del cine fantástico, que se mantiene pese a los años, gracias al brío que le imprime Arnold, tanto en las escenas del acecho submarino del monstruo a los expedicionarios cuando estos se sumergen (¿Tiburón, me dice?), como en las del acoso al barco de los mismos por parte de aquel (¿Alien, me cita?). El carisma del monstruo, enamorado de la elegante belleza de Julie Adams, con sus pobladas cejas y su escueto vestuario (eso también es cine), no es el de su predecesor, el rey Kong, pero no es despreciable. Aunque se suele incluir en el lote de Monstruos de la Universal, es una producción de tono y estética muy diferente al de las protagonizadas por sus parientes góticos, quizás un paso intermedio entre estos y los monstruos "científicos" cincuenteros.