24 HOUR PARTY PEOPLE

24 HOUR PARTY PEOPLE (Michael Winterbottom, 2002) es una película muy interesante formalmente. Steve Coogan interpreta a Tony Wilson, figura televisiva y promotor musical responsable de las salas The Factory y The Haçienda (sic), y del sello de igual nombre que la primera, ejerciendo de personaje central y narrador meta-consciente de un relato que, aunque expuesto en imágenes de gran verisimilitud, juega con la mezcla de hechos reales, suposiciones y bulos demasiado atractivos para no ser dados por buenos ("print the legend") para recrear, no una historia detallada y fiel a la realidad, sino el espíritu de unos personajes - músicos, productores, técnicos y seguidores-, que tuvieron protagonismo en el tránsito entre el post-punk y la década de los 80, dando vida a la escena sonora y de hedonismo contracultural del sonido Madchester. La película, razonablemente hagiográfica, incluyendo su sentido recuerdo a Ian Curtis (Joy Division) y su retrato carismático del también fallecido Wilson y su peculiar ética ejecutiva, que le llevaba a redactar con su propia sangre contratos que daban toda la libertad creativa y los derechos autorales a las bandas con las que firmaba, es divertida y fluida, pero, por supuesto, su disfrute dependerá del grado de afinidad del espectador hacia el tema tratado.

EL LIBRO NEGRO / ZWARTBOEK

El Libro Negro (Paul Verhoeven, 2006): ¡Tremendo peliculón! Arranca como un típico drama sobre judíos huyendo del terror nazi  pero pronto la protagonista (maravillosa Carice Van Houten) demuestra una capacidad de resiliencia y una voluntad de no dejarse victimizar que la emparenta con la Isabelle Huppert de Elle (2016) y la Virginie Efira de Benedetta (2021). A pesar de todas las penurias que el relato le reserva, solo la vemos llorar, brevemente, casi al final, y es más por pena ante el fatal destino de tantos seres queridos que por autocompasión. El ritmo es vibrante, casi frenético, y el tono es juguetón, descarado, impúdico (hay una escena de la Van Houten tiñéndose el pubis que pareciera una referencia al famoso cruce de piernas de Sharon Stone en Instinto Básico y a las quejas de esta a posteriori), con algún apunte directamente escatológico. Casi una nazisplotation, pero con la potencia visual y narrativa de Verhoeven. Y tres años antes que Malditos Bastardos de Tarantino.

AVRIL Y EL MUNDO ALTERADO

 AVRIL Y EL MUNDO ALTERADO (Christian Desmares y Franck Ekinci, 2015), es un filme francés de dibujos animados que basa sus personajes y escenarios en diseños de Jacques Tardi. Con participación en el guion de un ocasional colaborador del creador de Adele Blanc-Sec, Benjamin Legrand -guionista de El Exterminador de Cucarachas-, se trata de un relato que aúna distopía y steampunk para presentar un mundo alternativo en el que la desaparición inexplicada de sus científicos más destacados ha dejado atascada a la humanidad en la era del carbón, con consecuencias ambientales catastróficas. Sorprende un poco ver el grafismo de Tardi en una clave tan abiertamente ci-fi y fantástica, pero su estilo está bastante bien trasladado y los personajes son plenamente tardinianos. Aunque el guion se enmarañe un poco en idas y venidas, es una película estéticamente agradable, con protagonistas simpáticos e ideas interesantes.

CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD / CAPTAIN AMERICA: BRAVE NEW WORLD

 CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD (Julius Onah, 2025) es básicamente la peli Marvel de Harrison Ford. Parece orquestada en torno a la figura de Ford y a su estatus de estrella al estilo clásico hollywoodense y Ford corresponde aportando su carisma como tal, a un personaje mediocre (heredado de dos intérpretes previos). Ford y su hulkización son el principal gancho de un film que en su guión logra incluir algunas bien hilvanadas referencias a Los Eternos y a la serie Falcon and the Winter Soldier, además de presentar en el MCU oficial al adamantium (abriendo la puerta a ya saben quién); pero que en la parte que debiera destacar, la de las escenas de acción y fantasía, resulta tan deslucida como viene siendo habitual en la casa, quedandose a la altura de un séptimo episodio apócrifo de la mentada serie de Disney+.

ALIEN: ROMULUS

Podrán gustar más o menos, pero no se puede negar que lo que sí tenían todas las entregas, hasta ahora, de la saga Alien, incluidas las dos últimas revisitaciones scottianas, es personalidad y voluntad de renovación. Justo de lo que carece Alien: Romulus, la última aportación a la franquicia, estrenada hace unos meses. El producto elaborado por Fede Álvarez sustituye la creatividad por puro cálculo cínico, para ofrecer un remedo estético y temático de la cinta original, protagonizada por un grupo de no-personajes, juveniles como viene siendo tendencia en recientes recuperaciones de franquicias (Ghostbusters, Predator), sometidos a un argumento de videojuego, con niveles a superar hasta el enfrentamiento con el final boss, y aderezando el camino con un muy contemporáneo gusto por el jump scare, principalmente basado en el empleo del sonido. Enfangado en sus malabarismos con el fan service, que tiene su cenit de inmoralidad en el cameo digital de Ash, y la apelación a las nuevas generaciones, Álvarez no muestra intención de significarse en forma alguna, dando lugar a un artefacto feo y carente de vida.

LA NOCHE DE LOS GIGANTES / THE STALKING MOON

LA NOCHE DE LOS GIGANTES (Robert Mulligan, 1968) es un brillante ejemplo de los westerns maduros de los 60 y 70 de la centuria pasada. Un incontestable Gregory Peck hace de un scout del ejército, cuyos idílicos planes de retiro se ven alterados cuando, en su último día de servicio, se mete en un lío tremendo al poner bajo su protección a Eva Marie Saint, una mujer blanca liberada de los apaches, y a su hijo mestizo, que resulta serlo también de Salvaje, un indio rebelde y sanguinario, obcecado en recuperarlo. La narración, a partir de un excelente guión de Alvin Sargent, es adusta y tensa, reflejando la hostilidad de los escenarios naturales en los que está rodada, e invita a la reflexión antimaniquea, al aludir en alguna escena al derecho del niño a elegir con quién, y cómo, quiere vivir.

THE SUBSTANCE / LA SUSTANCIA

LA SUBSTANCIA (Coralie Fargeat, 2024), me ha parecido una castaña de cuidado. El guión es una sucesión de arbitrariedades sin rigor ni plausibilidad  algunos; la puesta en escena es previsible, transmite un continuo deja vu, y carece de fuerza expresiva; el tono es bufo y torpemente epatante (esos planos cerrados de Dennis Quaid);los personajes son burdamente caricaturescos; el mensaje de presunta denuncia antiedadista es ambiguo y contradictorio con algunas de las propias imágenes de la película... No entiendo que haya quien la califique de divertida, cuando yo sólo logré llegar a su final por la curiosidad de ver qué otra decisión erronea podía tomar la película a continuación. Insustancial.

PENELOPE

 PENÉLOPE (Arthur Hill, 1966) es un vehículo al servicio de Natalie Wood, en el que ella está estupenda, pero la película, sin embargo, no acaba de funcionar. El guion (basado en una novela firmada con heterónimo por Howard "Espartaco" Fast) apunta a la comedia romántica con destellos de screwball, pero falla en lo fundamental: hacer reir, y como mucho se ve con una leve sonrisa, principalmente por la entrega de una Natalie Wood que, sin embargo, no logra evitar que su personaje de esposa aburrida que decide llamar la atención de su marido, atracando el banco que éste dirige, resulte forzadamente encantador y cabezahueca. Aciertos como la fotografía de los escenarios neoyorquinos y la banda sonora, con su pegadiza canción de créditos, obra de Johnny Williams (sí, ese Johnny Williams)  no impidieron que la película fuese un fracaso y la Wood, que atravesaba por un momento emocional complicado, se pasó los siguientes tres años sin querer trabajar.    

EL CÓDIGO PENAL / THE CRIMINAL CODE

 EL CÓDIGO PENAL (Howard Hawks, 1930), pierde con su título en castellano el juego de palabras del original (The Criminal Code) que alude tanto a la letra de la ley, como a la norma tácita imperante entre los reclusos de una prisión: la ley del silencio, impuesta por la amenaza del castigo mortal. La película de Hawks es, junto a La Escuadrilla del Amanecer del mismo año, su estreno en el sonoro, y como esta, contiene elementos de eficaz realismo junto a otros de melodrama afectado. Narra la entrada en prisión de un joven, el malogrado Philip Holmes, tras cometer un homicidio involuntario durante una pelea. El mismo fiscal que le condenó a diez años, se interesa, tras ser nombrado alcaide, por su reinserción, a raíz del enamoramiento entre su hija y el muchacho. Un intento de fuga fallido y el posterior linchamiento del chivato que lo frustra dificultan la obtención de un perdón judicial para el joven, dada su obstinación en no romper la omertá. Boris Karloff está estupendo como el temible recluso con una "cita" pendiente con el policía que le denunció, ahora guardia de la prisión, pero la verdadera estrella de la función es Walter Huston como el duro fiscal, defensor del ojo por ojo, que deviene en comprensivo gracias al amor de su hija: la escena en la que, tras una sonora protesta de los reclusos, atraviesa el patio de la cárcel atestado de convictos enviados allí por él, con manos en los bolsillos, puro en la boca y gesto desafiante, es de las que hacen afición.

LA MUJER Y EL MONSTRUO / CREATURE FROM THE BLACK LAGOON

Me llama la atención. revisando LA MUJER Y EL MONSTRUO (1954, Jack Arnold), lo bien que se mueve el monstruo bajo el agua: bucea con una agilidad sorprendente para un individuo revestido de arriba a abajo con un traje de goma y un casco que le cubre la cabeza. De hecho, resulta más grácil sumergido que en tierra firme (son disfraces y actores distintos). La película es un clásico indiscutible del cine fantástico, que se mantiene pese a los años, gracias al brío que le imprime Arnold, tanto en las escenas del acecho submarino del monstruo a los expedicionarios cuando estos se sumergen (¿Tiburón, me dice?), como en las del acoso al barco de los mismos por parte de aquel (¿Alien, me cita?). El carisma del monstruo, enamorado de la elegante belleza de Julie Adams, con sus pobladas cejas y su escueto vestuario (eso también es cine), no es el de su predecesor, el rey Kong, pero no es despreciable. Aunque se suele incluir en el lote de Monstruos de la Universal, es una producción de tono y estética muy diferente al de las protagonizadas por sus parientes góticos, quizás un paso intermedio entre estos y los monstruos "científicos" cincuenteros. 

DIABOLIK: ¡GINKO AL ATAQUE! + ¿QUIÉN ERES? / GINKO ALL'ATTACO! + CHI SEI?

Unas notas acerca de ¡GINKO AL ATAQUE! y ¿QUIÉN ERES?, segunda y tercera entregas de la saga de Diabolik dirigida por los hermanos Antonio y Marco Manetti: Giacomo Gianniotti, que sustituye a Luca Marinelli en el papel del héroe/villano, carece de la magnética severidad de este. Su expresión mucho más relajada y ufana le resta la cualidad amenazadora que emanaba de Marinelli. De todas formas, se da la particularidad de que estas secuelas prestan más atención a otros personajes, además de que el protagonista pasa buena parte del metraje "disfrazado" (en la práctica, interpretado por otros actores) con lo cual la presencia en pantalla de Gianniotti -e incluso la de su partenaire, Miriam Leone- es reducida. Uno de los nuevos papeles que comparten protagonismo es el de Monica Bellucci como Altea, la sufrida amada del inspector Ginko, cuya interpretación es sorprendentemente afectada, habiendo sido muy criticada (en IMDB), aunque yo no la encuentro fuera de lugar en una ficción tan estereotipada y estilizada como la presente. De nuevo, los guiones se corresponden con gran exactitud a relatos de los tebeos, y cabe señalar el papel nada subalterno ni pasivo que tienen las protagonistas femeninas. Eva Kant en las tres entregas y Altea en la tercera no dudan en entrar en acción para rescatar a sus amados y no se trata de actualizaciones presentistas, sino decisiones de las hermanas, Giussiani. Por otro lado, el tercer episodio se retrotrae, como el título indica, al origen del personaje, es decir a los acontecimientos que llevaron a nuestro antihéroe a adoptar la identidad de Diabolik, narración que resta misterio y poesía al personaje, pero que obedece a las reglas del folletín y de la narrativa popular. Por lo demás, sin alcanzar quizás el nivel de sugerencia y sorpresa de la primera entrega, las dos siguientes sí mantienen sus rasgos de brillantez formal y narrativa.

DIABOLIK

Considerable sorpresa me ha deparado el visionado de DIABOLIK (Antonio y Marco Manetti, 2021), primera entrega de la trilogía, continuada en los dos años siguientes. sobre el personaje clásico de la historieta italiana. No sólo por haberme enfrentado a ella sin prescripción ni información previa alguna, sino por que ha resultado no parecerse a ninguna otra producción franquiciada que haya visto en los últimos años. Sus responsables, los hermanos Manetti y su equipo, bien podrían haber optado por plantear un remake de la anterior adaptación del personaje, firmada por Mario Baba en 1968, recreando su estética de pop psicodélico y su tono camp, algo que parece que esperaban muchos, a tenor de los comentarios que se pueden leer en IMDB. O por realizar un reajuste ideológico, para adecuar el personaje a los parámetros actuales de temáticas identitárias e inclusivas. Pero no, los Manetti, y sus productores (entre los que se cuenta la editorial Astorina, propietaria de la serie), han sido capaces de eludir estas u otras tácticas de aggiornamiento, optando por respetar fidedignamente el original, tal como fuera concebido en 1962 por las hermanas guionistas Angela y Luciana Giussani. La película se ambienta en los años 60, en las ciudades europeas ficticias inventadas por las Giussani (Clerville, Ghenf), y reproduce con fidelidad el tercer tebeo de la serie (el que en su momento fue objeto de denuncias por "corrupción de menores") donde se presenta a la, desde entonces, compañera inseparable del protagonista, su amante y cómplice Eva Kant. Diabolik es presentado como un criminal refinado y atractivo, pero sin escrúpulos a la hora de matar o de hacer luz de gas a Elisabeth, la mujer a la que enamora para que le sirva de tapadera. Luca Marinelli le presta su físico y sobre todo su mirada magnética y enigmática y un permanente gesto adusto. Su actividad criminal no tiene justificación, al menos en esta primera entrega de la serie. Tan sólo mediante una breve frase en el enfrentamiento final con el inspector Ginko, su némesis, cuando este se califica como defensor de la ley, "la de cualquier ciudadano, la de cualquier ser humano", la respuesta del villano, "No la mía", nos proporciona el atisbo de una mentalidad megalomaníaca. La bellísima Eva, encarnada por Miriam Leone, es el único ser que Diabolik considera a su altura y su enamoramiento tiene mucho de fascinación especular. Diabolik, hijo espurio de Fantomas, y Eva son más conceptos que personajes, creados por las Giussani con la función de producir morbo por el contraste de su aspecto seductor y sus acciones criminales (que con los años, parece ser, fueron perdiendo virulencia). Toda esta fidelidad argumental y temática tiene su paralelismo en lo formal. Los Manetti crean una ambientación de época lujosa y sofisticada (pero no ostentosa como la del Diabolik de Bava), y desarrollan una puesta en escena medida, contenida, pero de elegante estética. No podemos decir que esté basada directamente en las imágenes del tebeo, puesto que la labor de los dibujantes de la serie, muchos de ellos fugaces, es mayormente pobre. Ni siquiera los más constantes, como Enzo Facciolo, cumplen más allá de la mediocridad, pero, precisamente esta limitación gráfica se corresponde de alguna manera con la sobriedad visual del film. A la espera de comprobar que las continuaciones no frustren los logros de esta primera entrega, cabe alegrarse, finalmente, de que una adaptación de un clásico de la cultura popular la referencie con tanto respeto y sin creerse más lista que el original.

EL MILLÓN DE OJOS DE SUMURU / THE MILLION EYES OF SUMURU

 En 1945, la BBC le encargó a Sax Rohmer, el afamado creador de las novelas de Fu Manchu, un serial radiofónico con su sello característico, Eso sí, como no querían meterse en líos con la República (todavía no Popular) China, le pidieron que crease una alternativa a su peculiar supervillano enfrentado a la civilización occidental y empeñado en obtener el poder global. Ni corto ni perezoso, Rohmer pergeñó una idea sin fisuras: Sumuru, una supervillana enfrentada a los hombres, así, en general, y empeñada en imponer un poder global matriarcal. Todo sutileza, el Rohmer. El personaje se desarrollaría a partir de 1950 en cinco novelas, y en 1967, el turbio productor Harry Alan Towers, que ya había llevado a Fu Manchu a la pantalla grande en un ciclo de películas, hizo lo propio con Sumuru, en EL MILLÓN DE OJOS DE SUMURU, un film dirigido por Lindsay Shonteff, protagonizado por el galán de medio pelo George Nader, su sidekick fallidamente cómico Frankie Avalon y, como la villana titular, la bella Shirley Eaton, una ex-chica Bond, que repetiría en la secuela de 1969 y, a continuación, se retiraría del mundo de la farándula para ser mamá. La película no tiene más atractivo que el de su insólito planteamiento, dado que no aspira más que a replicar/explotar el erotismo suave Bondiano, y está realizada con una inaudita falta de eficacia, sobre todo en las escenas de acción. La mencionada secuela, la dirigió el inefable Jesús Franco, y la vi hace unos años pero, ni recuerdo gran cosa, ni me apetece revisarla.